I ЧАСТЬ (+16). МУЗЫКАЛЬНЫЕ ОБРАЗЫ. СРЕДСТВА МУЗЫКАЛЬНОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ. 

Музыкальные образы

Музыка – временное или динамическое искусство. Если художник использует для создания краски и другие материалы, то композитор оперирует музыкальными звуками. Всем известно, что он записывает их с помощью нотных знаков. Но сами ноты не звучат. Нужен обязательно исполнитель, нужен слушатель для того, чтобы музыкальное произведение было исполнено и услышано. Художественная картина создаётся один раз, и люди могут даже в течение столетий воспринимать её. Правда, механическая запись музыки даёт возможность слушать её в любое время. Но всё равно после создания нотной записи музыкальное произведение необходимо исполнить.

Музыкальные звуки, особым образом организованные композитором, воспринимаются нами, воздействуют на слуховые рецепторы и могут вызывать в нашем воображении те или иные МУЗЫКАЛЬНЫЕ ОБРАЗЫ. Но эти музыкальные образы (а речь идёт, прежде всего, о музыке инструментальной, лишённой слов) чаще всего не обладают конкретикой. Это не портрет, не пейзаж, и не художественная фотография, в основе которой лежит документальный аналог. Музыкальные звуки у разных людей могут вызвать разные ассоциации. Тогда как же понимать музыку?

Попытаемся вместе с вами, мои уважаемые читатели, шаг за шагом следовать за таинственной нитью Ариадны (как в древнегреческом мифе о Тезее, которого вывела из лабиринта нить Ариадны)! Послушаем разные фрагменты из классических произведений и попробуем разобраться в том, какие образы могли появиться в вашем воображении? Итак, слушаем:

На что вы обратили внимание? Наверное, на то, что играет симфонический оркестр, музыка громкая, мощная. Эта музыка что-то изображает или, скорее, выражает? Да, выражает. Сомнений тут не может быть, эта музыка выражает какое-то чувство. Оно прекрасно, и в то же время ощущается какое-то щемящее душу ожидание, ощущается какая-то тревога. Если вы согласны с такой трактовкой образа, пойдём дальше. Какое же произведение прозвучало? Это был фрагмент из увертюры-фантазии Петра Ильича Чайковского «Ромео и Джульетта». Он создал свою музыку под впечатлением от трагедии Уильяма Шекспира.

А вот ещё один пример.

(Звучит фрагмент из балета Игоря Фёдоровича Стравинского «Жар-птица»).

Какая музыка прозвучала? Искрящаяся, как будто рассыпали золото, что-то вспыхивало и переливалось. Правильно. А этот образ сказочный, фантастический или реальный? Это образ сказочный. Скажите, какое движение вы представили? Кто-то летит, быстро, зигзагами и напоминает пламя. Так что же это? Это Жар-птица. Прозвучал фрагмент из балета Игоря Фёдоровича Стравинского «Жар-птица»).

А сейчас вы услышите очень знакомое всем произведение – «Полёт шмеля» из оперы Николая Андреевича Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане, о сыне его славном и могучем богатыре князе Гвидоне Салтановиче и прекрасной царевне Лебеди». (Я даю полное название оперы, хотя в обиходе говорят и пишут – «Сказка о царе Салтане»).

Наверное, эта музыка не оставляет ни у кого сомнений в толковании данного образа. Удивительно, как композитор смог с помощью музыкальных звуков изобразить и стремительный полёт шмеля, и его жжужание, и даже его чисто человеческую злость. Ведь это не обычный шмель, а превращённый в него князь Гвидон. И его злость вызвана тем, что он подслушал неправедные речи своих тёток и сватьи бабы Бабарихи, которые наговаривают его отцу, царю Салтану, всякие небылицы про него и его мать.

Вот видите, какими огромными возможностями обладает классическая музыка! Как при слушании её поневоле начинает активно работать наше воображение! И, наверное, вы, уважаемые слушатели и читатели, подумали о том, что эстрадная музыка в большинстве случаев лишена этого образного пласта. В ней бесконечно повествуется о чувствах, она носит чисто развлекательный характер и не претендует на глубину своего содержания. Но у неё много других преимуществ: она покоряет эффектным, эпатажным вокалом, красочностью света и костюмов артистов, активностью танцевального сопровождения. А громкая динамика буквально гипнотизирует слушателей.

СРЕДСТВА МУЗЫКАЛЬНОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ

Но вернёмся к классике. Давайте задумаемся вот над чем: как, каким образом композитору удаётся создать такие замечательные музыкальные образы? Из каких кирпичиков, кубиков возводится «здание» любого музыкального произведения? Ими являются СРЕДСТВА МУЗЫКАЛЬНОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ. К ним относят мелодию, аккомпанемент, темп, лад, ритм, динамику, гармонию, тембр, фактуру. Также я буду знакомить вас, уважаемые читатели, с принципом формообразования в музыке. Призываю моих читателей к терпению: необходимо иметь хотя бы первичные представления об этих средствах выразительности, так как дальнейшее продвижение по «лабиринту» музыки будет просто невозможно.

МЕЛОДИЯ может быть одноголосной, тогда она называется монодией (моно – один). Но гораздо чаще мелодия звучит в сопровождении других голосов. На конкретных примерах мы покажем, что представляют собой мелодия и аккомпанемент (или в переводе с французского – сопровождение).

Прозвучит «Старинная французская песенка» Петра Ильича Чайковского из  фортепианного цикла «Детский альбом».

Мы услышали с вами действительно песенку, нежную, печальную, незатейливую. Мелодия звучала в верхнем регистре, имитируя голос певца. А в среднем и нижнем регистрах звуки образовывали сопровождение мелодии или её аккомпанемент. И вы, конечно, слышали, что мелодию исполнитель играл немного громче, чем сопровождение, и это правильно, так как сопровождение всегда подчиняется мелодии. Заметим, что термин «аккомпанемент» используется и в другом смысле, когда говорят о сопровождении солиста исполнителем на другом инструменте или исполнителями на других инструментах. Например, солист исполняет песню или романс, а аккомпанирует ему пианист или, скажем, квартет, то есть четыре исполнителя.

Поскольку музыка – временное искусство, она не может существовать вне ТЕМПА, медленного, среднего и быстрого. Обозначения темпа проставляются в начале произведения или в каком-либо другом разделе, если темп меняется, все они даются на итальянском языке. Медленные темпы – Adagio, Lento, Largo и т.д. Средние – Moderato, Andante, Allegretto. Быстрые темпы – Allegro, Vivo, Vivace, Presto.

Сейчас мы с вами послушаем пьесу Михаила Ивановича Глинки «Полька». Полька – чешский народный танец. Возникнув в Чехии, она быстро стала популярной в Европе, а затем и в России. Глинка придал народному танцу черты изысканности, салонности. Это явно музыка не для танцев, а для слушания. Такую музыку стали называть КОНЦЕРТНОЙ,  в отличие от музыки, предназначенной непосредственно для танцев. Такая музыка получила название ПРИКЛАДНОЙ. Итак, звучит «Полька» М.И. Глинки.

Эта пьеса написана в среднем темпе. В обозначениях темпа мы бы выбрали термин Allegretto. А теперь представим, что мы намеренно исполнили бы эту пьесу в медленном темпе. Сохранился бы её изящный, игривый характер? Конечно же, нет. Так и в каждом произведении: выбор того или иного средства выразительности, в том числе и темпа, строго обусловлен, так как все они влияют на особенности музыкального образа.

А сейчас поговорим о ЛАДЕ. Оказывается, все музыкальные звуки издавна подчиняются некой системе ладов, которые были известны ещё во времена Платона и Аристотеля в эпоху Древней Греции. Так, юношам запрещалось слушать и исполнять музыку в определённых ладах, так как считалось, что некоторые из них расхолаживают юношей, не воспитывают в них дух воинов, защитников отечества. Так что же такое лад? Звуки в ладу испытывают разной степени тяготение друг к другу. Не углубляясь в теорию лада, скажем, что в ладу могут быть так называемые главные ступени (тоника, субдоминанта, доминанта – это I. IV и V ступени) и побочные ступени (II, III, VI и VII ступени). Все семь ступеней лада (если он семиступенный, а бывает и другое количество ступеней) образуют звукоряд, называемый ГАММОЙ. Пока мы ограничимся понятием о двух ладах – мажоре и миноре. Произведения, написанные в миноре, звучат более мягко, как бы затенённо, грустно. В мажоре – более светло, радостно.

Мы сейчас послушаем «Марш деревянных солдатиков» Петра Ильича Чайковского из «Детского альбома».

Эта пьеса написана в мажорном ладу, что подчёркивает решительный, энергичный характер её образа. Напомню вам «Старинную французскую песенку» из «Детского альбома» того же автора:

Понятно, что лад здесь иной, чем в «Марше деревянных солдатиков», в данном случае – минорный. Но далеко не всегда минорные пьесы грустные. Например, «Полёт шмеля» написан в миноре, хотя это, конечно, не грустное произведение, и многое здесь зависит от темпа.

Кроме мажора и минора существует множество иных ладов, о некоторых их них мы будем говорить в других разделах книги.

Поскольку музыка – временное искусство, каждый её звук имеет .ДЛИТЕЛЬНОСТЬ, которая определяется обозначениями при нотах согласно делению целой части на половину, четверть, восьмую, шестнадцатую и т.д.  Но эти длительности весьма условно устанавливают время, «отпущенное» каждому звуку, и здесь тоже надо говорить о зависимости от темпа. Кроме того, целая может делиться на три части (тогда это триоли), на пять частей (тогда это квинтоли) и т.д. Интересная особенность: паузы тоже имеют свои длительности. Могут быть ферматы – знаки, определяющие задержку звука, остановку, особенно в заключительных разделах сочинения. В некоторых произведениях, особенно в творчестве романтиков, композиторы и исполнители применяют приём ad libitum, то есть по желанию, когда исполнитель допускает более свободную трактовку длительностей. Это применяется для психологически тонкого отражения в музыке человеческих чувств.

Сочетание тех или иных длительностей образует РИТМ, который наряду с другими средствами выразительности оказывает большое влияние на характер музыкального образа. Сопоставим некоторые примеры. В уже услышанном вами «Марше деревянных солдатиков» ритм был чёткий. Он действительно соответствовал маршу, который должен организовывать, дисциплинировать движение. Приведём ещё один пример марша в музыке, это тоже сказочный марш – фрагмент из сюиты «Три чуда» из оперы «Сказка о царе Салтане» Н.А. Римского-Корсакова. Этот марш с его чеканным ритмом рисует образ тридцати трёх богатырей под предводительством дядьки Черномора, выходящих из бурного моря.

А вот другой пример.

(Звучит фрагмент из вступления к I-й части симфонической сюиты Н.А. Римского-Корсакова «Шехеразада»).

Вы, наверное, услышали необыкновенно красивую музыку. Её  ритм и мелодия напоминают утончённый узор, подобный кружеву. Это тема восточной красавицы Шехерезады, рассказывавшей, как известно, султану Шахриару сказки тысячу и одну ночь. А теперь на миг представьте себе, что эта тема была бы изложена в чётком. маршевом ритме! Она потеряла бы всякий смысл как тема, характеризующая Шехерезаду. (заметим, что в литературном аналоге Шехерезада пишется через «е», а у Римского-Корсакова его сюита называется «Шехеразада»).

Чтобы получить представление о таком средстве выразительности, как ГАРМОНИЯ, послушаем фрагменты из разных музыкальных произведений. Сейчас прозвучит одно из замечательных произведений – «Шествие гномов» норвежского композитора Эдварда Грига. Представим себе сумрачный северный лес, таинственные огоньки, топот маленьких ножек, прыжки…Гномов становится как бы всё больше и больше, и вот они уже рядом, поражая нас мощью своего движения. А потом всё стихает, и мы «услышим» дуновение ветерка или «увидим» сверкание росинок в траве при лунном свете – прозвучат лёгкие, порхающие пассажи (то есть быстрое чередование звуков в определённой последовательности). И вот здесь, чтобы создать настроение покоя, таинственности, любования красотами природы, Эдвард Григ использует необыкновенные созвучия или гармонии и их сочетания. А потом опять мы услышим грозное шествие гномов.

(Звучит «Шествие гномов» Э. Грига).

Как вы считаете, если бы Григ в средней части произведения для создания образа лунной ночи в лесу использовал бы резкие созвучия, получился бы нужный образ? Нет, не получился бы. Гармонии придают музыке спокойный, нежный, какой-то просветлённый характер.

А вот другой пример – вступление к I-й части Патетической сонаты Людвига ван Бетховена. Здесь композитор использует резкие, напряжённые звучания. И как это соответствует характеру музыки, суровому и мужественному! Такие созвучия называются ДИССОНАНСАМИ.

Мы делаем вывод, что музыку без гармонии трудно себе представить. Как в живописи нужны краски, их оттенки, так и в музыке нужны гармонии, которые определённым образом окрашивают звучания. Как и мелодия, лад, темп, ритм, гармонии являются совершенно необходимым средством выразительности при создании музыкальных образов.

В музыкальном искусстве также важны ДИНАМИКА или ДИНАМИЧЕСКИЕ ОТТЕНКИ, то есть сила звука. Она обозначается тоже итальянской терминологией. Когда надо играть громко, ставят латинскую букву f, что означает forte (фортэ, в переводе с итальянского – громко). Если надо исполнять тихо, то пишут букву p, что означает piano (пиано, в переводе с итальянского – тихо). Отсюда и название музыкального инструмента – фортепиано. Его так назвали потому, что на его предшественнике клавесине нельзя было издавать очень громкие или очень тихие звуки, на нём можно было играть неким средним по силе звуком. А на фортепиано уже можно было получать разные звучания.

Сейчас мы с вами услышим «Полонез» и «Вальс» Михаила Ивановича Глинки (из оперы «Иван Сусанин»). Полонез – польский танец, его часто танцевали на балах примерно двести лет назад. Это торжественный танец-шествие. И вы услышите, что композитор предложил эту музыку исполнять в основном громко, хотя встречаются и эпизоды с не очень громкой музыкой. Не очень громко изображается латинскими буквами mf, что означает меццо фортэ. А вальс, наоборот, звучит гораздо тише, чем полонез, это очень изящный, плавный танец. Здесь нередко можно встретить обозначение mp, что означает меццо пиано, то есть не очень тихо, хотя и встречаются эпизоды с использованием f.

(Звучит «Полонез» М.И. Глинки).

(Звучит «Вальс» М.И. Глинки).

Вот видите, уважаемые читатели, какое большое значение в музыке имеет динамика или динамические оттенки, без них было бы невозможно создать музыкальные образы.

И ещё одна пьеса прозвучит сейчас: «В пещере горного короля» Эдварда Грига. Представьте себя на месте композитора: какие динамические оттенки вы бы поставили в нотах этого произведения? Какой образ появился в вашем воображении?

(Звучит пьеса Эдварда Грига «В пещере горного короля»).

Вопросы: Что вы представили, слушая эту музыку? В таинственной пещере на троне восседает горный король. Его окружают гномы, тролли и другие сказочные обитатели гор. Музыка вначале звучала очень тихо, и мы бы поставили в нотах p, то есть тихо. (У Грига в нотах даже pp или пианиссимо, что означает очень тихо), а потом звучность усиливается, как будто сказочных существ из свиты горного короля становится всё больше, и они начинают вести себя всё более угрожающе. Если надо усилить звук, то ставят обозначение crescendo (крещендо), что в переводе с итальянского означает увеличивая. Если надо играть тише, то ставят обозначение diminuendo (диминуэндо), что в переводе с итальянского означает уменьшая.

Итак, можно ли предположить хотя бы на миг, что музыка была бы только громкая или только тихая? Конечно же, нет. Как нельзя допустить, что в музыке всегда присутствует только один образ – вы уже знаете, что их, музыкальных образов, огромное множество, что делает музыку такой разнообразной и богатой! Представим на миг, что в нотах исчезло обозначение динамических оттенков. Наверное, больше всего неразберихи было бы в симфоническом оркестре: кто-то из музыкантов начал бы играть очень тихо, другие, наоборот, очень громко. Как пришлось бы тяжело дирижёру, чтобы навести порядок при исполнении музыкального произведения!!

А сейчас поговорим о ТЕМБРЕ, то есть окраске звука. От того, какому инструменту поручается исполнение той или иной мелодии, гармонии, других элементов произведения зависит  характер образа, выразительные или изобразительные его особенности. В «Полёте шмеля» Н.А. Римского-Корсакова вы, наверное, запомнили быстрые пассажи у кларнета. В изображении тридцати трёх богатырей, выходящих из моря, тема звучала у медных инструментов. В зависимости от состава исполнителей музыка может быть инструментальная, вокальная, вокально-инструментальная.

Для того чтобы иметь представление о тембрах инструментов симфонического оркестра, можно послушать музыкально-литературную композицию классика английской музыки ХХ века Бенджамина Бриттена «Путеводитель по оркестру для молодёжи». Читает руководитель детского театра Наталия Сац. «Путеводитель» написан Б. Бриттеном на основе замечательной музыкальной темы великого английского композитора XVII века Генри Пёрселла. Можно посмотреть и этот видеоролик:

В этом разделе книги о тембрах невозможно не сказать об органе. Это клавишно-духовой инструмент. Высота его труб достигает высоты концертного зала. У него ручные и одна ножная клавиатуры.

Сейчас мы услышим, как звучит орган.

(Исполняется Токката ре минор Иоганна Себастьяна Баха).

Слушая, как звучит орган, можно понять, почему его называют «королём инструментов»: его мощь и разнообразие тембров почти не уступают симфоническому оркестру.

Разговор о тембрах может быть очень долгим. Здесь и тембры русских народных инструментов – баяна, балалайки, домры, которые уже давно усовершенствованы и стали концертными инструментами. Существуют оркестры русских народных инструментов и оркестры народных инструментов других стран и народов.

Вокальная музыка в зависимости от состава исполнителей может быть сольная, ансамблевая или хоровая. Сольную музыку пишут для женского голоса – меццо-сопрано и сопрано, для мужского голоса – баса, баритона, тенора. Ансамбли (от франц. ensemble – вместе) пишут для дуэтов, трио, квартетов, квинтетов и т.д.

В определениях средств музыкальной выразительности можно встретить и такое понятие как ИНТОНАЦИЯ. Когда мы произносим слова, то всегда подчиняем их какому-нибудь смыслу. Выражая наше настроение, мысли, мы то понижаем голос, то повышаем его. Например, слово «ДА» можно произнести с интонацией удивления, восторга, ужаса и т.д. Умение владеть интонацией ценится в ораторском искусстве, начиная с времён Древней Греции и Древнего Рима. Да и сейчас правильно произносить слова, ярко и интересно строить свою речь с точки зрения интонации очень важно для любого человека: учителя, диктора, бизнесмена или члена правительства.

В нашей речи интонация не определена никакими обозначениями, просто мы сами повышаем или понижаем голос в зависимости от смысла произносимого слова. Попробуем произнести слова: «Мне грустно». Мы замечаем, что в конце их мы как бы поневоле понижаем голос, подчёркивая своё настроение. Если послушать начало романса Александра Сергеевича Даргомыжского «Мне грустно», то мы обнаружим, что музыкальная интонация почти точно повторила речевую интонацию. Так бывает часто, когда музыка как бы копирует какие-нибудь интонации нашей речи, ведь музыка так тесно связана с жизнью! Но, конечно, музыкальные интонации не могут абсолютно точно воспроизвести речевые интонации, а только приближаются к ним.

В Симфонии №5 до минор немецкого композитора Людвига ван Бетховена используется интонация, построенная всего на четырёх звуках. Это «зерно» не только интонации, но и всей симфонии. У этой интонации запоминающийся чёткий ритм. Недаром сам композитор говорил про эту тему: «Так судьба стучится в дверь!» Громкое звучание (forte), мощный унисон различных инструментов, играющих одну и ту же мелодию – всё это относится к интонации, несущей важную смысловую функцию в симфонии, как олицетворение образа рока.

Вспомним мелодию песни «Священная война» А.В. Александрова. Песня была написана в первые дни Великой Отечественной войны, когда на нашу страну внезапно напала фашистская Германия. В начале фразы «Вставай, страна огромная!» на слове «вставай» мы слышим мужественную героическую интонацию. Такая же интонация или её «зерно» есть и в начале Гимна Российской Федерации. Но не только мелодия определяет интонацию. В «Священной войне» её суровый, героический характер подчёркивается минорным ладом, чеканным ритмом, напоминающим поступь.

Пришло время поговорить ещё об одном важном средстве выразительности в музыке – о ФАКТУРЕ. Фактура (в переводе с латинского – строение, изготовление, обработка) – тип строения самой музыкальной ткани. Если в произведении есть мелодия и аккомпанемент, т.е. один голос главный, а другие ему подчиняются, то такая фактура называется ГОМОФОННОЙ ФАКТУРОЙ (от лат. гомос – один и фон – звук). Она встречается в танцевальной музыке, в несложных песнях, маршах и т.д.

Но есть и другой тип фактуры. Представим, что одновременно говорит много людей, и каждый из них произносит свой текст, то есть их голоса не подчиняются друг другу, они равны между собой. Вот такое равноправие голосов встречается в другом типе фактуры, которая называется ПОЛИФОНИЧЕСКОЙ ФАКТУРОЙ (от слова поли, что в переводе с латинского означает много, и фон, что означает голос, т.е. многоголосие).

Полифоническая фактура бывает разной. В некоторых произведениях одна и та же мелодия или тема может звучать в разных голосах. Тогда такая полифония называется имитационной (от лат. слова имитация, что означает подражание).

Иногда мелодия или тема звучит в одном голосе, а другой голос, вступая позже, как эхо повторяет её. Такое устройство полифонической фактуры бывает в КАНОНЕ (в переводе с греческого – правило, образец).

Встречается и более сложный образец имитационной полифонии – ФУГА (в переводе с латинского – бег, бегство, течение). Тема поочерёдно проводится в разных голосах, их количество бывает различным – чаще всего от двух до пяти, но в ранних образцах фуг голосов могло быть и больше.

Послушаем фугу до минор  И.С. Баха. В этой фуге тема вначале прозвучит одноголосно и её будет легко запомнить. Потом она будет поочерёдно проводиться во втором и в третьем голосах, а в это время в этих голосах будут звучать другие, самостоятельные, отличные от темы мелодии. Таким образом получается в фуге многоголосие или полифония. Во время слушания попробуйте отметить появление темы в том или другом голосе лёгким похлопыванием в ладоши, постукиванием карандаша о поверхность стола и т.д. У вас, наверное, создастся впечатление, что тема стремится догнать свою предшественницу в другом голосе, а удастся ей это сделать или нет – судите сами.

(Звучит фрагмент фуги до минор из цикла Иоганна Cебастьяна Баха «Хорошо темперированный клавир», часть 1)

Но в полифонической фактуре гораздо чаще встречаются случаи, когда в голосах проводятся одновременно разные, совершенно самостоятельные мелодии. Такая полифония называется КОНТРАСТНОЙ. Сейчас прозвучит уже известный вам фрагмент из симфонической увертюры-фантазии П.И. Чайковского «Ромео и Джульетта» – знаменитая тема любви. Вы услышите, что основная мелодия проводится у скрипок, но одновременно с ней у других струнных, у медных и деревянных духовых звучит другая, не менее прекрасная мелодия. Она самостоятельна по своей мелодической линии и как бы расцвечивает дополнительными красками основную тему. Это как раз и будет пример контрастной полифонии.

(Звучит тема любви из увертюры-фантазии П.И. Чайковского «Ромео и Джульетта»)

ГОМОФОННАЯ ФАКТУРА  строится на основе ГАММ (гамма – ряд звуков в определённой последовательности), АККОРДОВ (звучание не менее трёх звуков, расположенных преимущественно через один звук, что называется интервалом ТЕРЦИЯ), АРПЕДЖИО (разложенные аккорды, когда звуки аккордов исполняются поочередно), ПАССАЖЕЙ (быстрое чередование звуков в определённой последовательности) и т.д. Таким образом, фактуры различают гаммообразные, аккордовые, в виде арпеджио или пассажей, и все эти виды фактур относятся к гомофонной фактуре. С подобными типами фактур мы с вами будем встречаться очень часто, и я буду обращать ваше внимание на них.

Итак, вы познакомились с основными средствами музыкальной выразительности. Надеюсь, эта глава книги будет полезной для понимания самых главных особенностей музыки для более осознанного восприятия музыкальных произведений. В последующих разделах «Книги о музыке» я буду опираться на сведения, изложенные в данной части.

А сейчас поговорим о принципах формообразования или ФОРМЕ МУЗЫКАЛЬНЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ. В нашей жизни мы с вами постоянно встречаемся с повторностью и контрастностью. Контраст или контрастность – отличие от чего-либо. Например, день-ночь, свет-тьма и т.д. Продолжите этот ряд, и вы сами убедитесь в том, как часто встречаются эти явления и понятия в нашей жизни. Причём они нередко повторяются. Например, день-ночь и снова день-ночь. Они разные, т.е. контрастные друг другу, но неизменно повторяются. Также и времена года. Обозначим буквами эти повторяющиеся или контрастные эпизоды: АВ АВ… или АВСD АВСD…. и т.д. Также и в музыкальных произведениях встречаются повторы и контрасты. Чем же будут отличаться эти части музыкального произведения друг от друга? Прежде всего, своим характером.

Вначале вы услышите одночастное произведение. В нём характер музыки меняться не будет.

(Звучит Прелюдия №7 Фридерика Шопена).

На протяжении всего этого произведения используется мажорный лад, часто повторяется один и тот же ритм, то есть характер образа не меняется. Значит, это произведение, в котором только одна часть, имеет одночастную форму (условно изобразим эту форму буквой А).

Сейчас прозвучит «Неаполитанская песенка» П.И. Чайковского из фортепианного цикла «Детский альбом». Чайковский назвал её так под впечатлением от итальянского города Неаполя. Послушайте и скажите, есть в ней контрастные части или нет?

(Звучит «Неаполитанская песенка»).

Правильно, в этой пьесе есть контрастные части. Вначале характер был изящный, задорный, а потом звучность стала другой: ускорился темп, в мелодии появился ритм с короткими по длительностям звуками, которые напомнили игру на мандолине – национальном итальянском инструменте. В этом произведении две части, и его форма называется двухчастной. Обозначим её латинскими буквами АВ, где А – первая часть, В – вторая часть.

А сейчас прозвучит «Вальс» П.И. Чайковского из фортепианного цикла «Детский альбом». Послушайте и определите: какие части повторяются и какие контрастны друг другу.

(Звучит «Вальс» Чайковского)

Вопросы: Сколько раз менялся характер музыки? Правильно, три раза. Сколько частей в этом произведении? Правильно, три части. Какие части повторяются? Первая и третья. Как можно изобразить эту музыкальную форму латинскими буквами? АBА. Какая мелодия была в крайних частях – первой и третьей? Она то легко, грациозно взлетала вверх, то рассыпалась в гаммообразных пассажах (гамма – ряд звуков в определённой последовательности). Аккомпанемент был типичный для вальса: звук в басу и дважды повторенный аккорд (одновременное звучание не менее трёх звуков). А во второй части? Если в первой части был мажорный лад, то во второй музыка звучит в миноре, резко меняется аккомпанемент – возникает часто повторяющийся интервал (сочетание двух звуков). Соответственно меняется и образ: вместо радостного волнения в первой части возникает какое-то тревожное настроение во второй части. Значит, мы услышали, что здесь композитор использовал явный контраст между частями. А в третьей повторился материал первой части. Таким образом, мы с вами установили, что в «Вальсе» Чайковского музыкальная форма трёхчастная.

Одна музыкальная форма очень часто встречается, и вы, уважаемые читатели, хорошо с ней знакомы, только, наверное, не знали, как она называется. А называется она куплетной формой и встречается в песнях. Каждый куплет состоит из запева и припева, музыка в запеве и припеве повторяется столько раз, сколько в песне куплетов, слова в запевах разные, а в припеве одни и те же. Вы, наверное, знаете замечательную песню Евгения Крылатова «Прекрасное далёко» из кинофильма «Гостья из будущего». Когда будете слушать песню, попытайтесь определить, сколько раз повторялся припев и запев, то есть, сколько было куплетов, и были ли изменения в их изложении и исполнении? Попытайтесь сами изобразить буквами куплетную форму.

Вопросы: Сколько было куплетов? Три. И каждый раз повторялся музыкальный материал и запева и припева. Буквенное изображение этой формы – АВАВАВ. Вы, наверное, заметили, что запев исполняется чаще всего солистом, а хор поёт припев: «Прекрасное далёко не будь ко мне жестоко». И так было в первом и втором куплетах. А в третьем куплете, когда запев исполняется солистом и хором, у него звучали краткие подголоски – небольшие самостоятельные мелодии, и третий куплет значительно отличался от двух предыдущих, в нём появились изменения. Чтобы этот момент отразить в нашей схеме формы, поставим следующий знак: АВ. АВ. А₁В. Тем самым мы с вами в схеме музыкальной формы данной песни обозначили другой вариант исполнения.

Сейчас мы с вами немного поиграем в слова. Надо будет произнести какую-нибудь простую фразу, например: – Я иду в университет. А потом немного изменить её, придумать дополнение к ней. Например: – Я иду в университет с хорошим настроением! Постарайтесь, чтобы во всех изменениях присутствовали начальные слова: «Я иду в университет».

А теперь ещё один пример. Девушки очень любят наряжаться. Но что бы девушка ни надевала – платье, костюм, пальто и т.д. – сама она будет изменяться? Например, Катя превратится в Лену? Правильно, нет, не превратится. Всё это напоминает ещё одну музыкальную форму – ВАРИАЦИОННУЮ (от слова вариация, что означает изменение). То есть вначале звучит основная мелодия, она называется ТЕМОЙ, а потом будут звучать вариации, в которых с темой будут происходить какие-то изменения. Может измениться аккомпанемент или лад, тема может звучать у разных инструментов, в разных регистрах музыкального инструмента и т.д.

Сейчас мы послушаем фрагмент из произведения «Болеро» французского композитора Мориса Равеля. (Болеро – это название испанского танца). Оно строится на основе одного и того же ритма. Вы его будете слышать постоянно. И мелодию или тему тоже будете узнавать. Тема будет звучать у разных инструментов, её сопровождение будет меняться в каждой вариации. Постарайтесь определить, какие тембры использует композитор в проведении основной мелодии? И ещё. Постарайтесь определить, что менялось в произведении от вариации к вариации?

(Звучит фрагмент из «Болеро» М. Равеля).

Вопросы: Что было неизменным? Мелодия, ритм, постоянно звучала одна и та же ритмическая фигура у малого барабана. А что изменялось в каждой вариации? Правильно, менялся тембр, основные мелодии (их две) в вариациях проводили различные инструменты: кларнет, гобой, флейта, струнные или одновременно разные группы инструментов. И ещё. Мы с вами слышали, что изменялась динамика – от pp до ff. Как мы обозначим вариационную форму? АА₁А₂ А₃ и т. д.

Сейчас мы познакомимся с вами ещё с одной музыкальной формой. Она встречается не так часто, как трёхчастная форма. Но знать о ней всё же надо. Это форма «РОНДО». Её название происходит от французского слова roundeau (рондо), что значит «круглый». Данная форма возникла в старинных танцах, когда танцующие двигались по кругу, и через какие-то промежутки повторяли одни и те же движения. Так и в музыкальной форме рондо: одна из частей повторяется не менее трёх раз, а между ними появляются две другие контрастные части. Таким образом, схему формы рондо можно представить так: АВАСА.

А теперь послушаем музыкальные произведения, форму которых можно определить как форму рондо.

Вначале прозвучит романс Александра Порфирьевича Бородина на слова Н. Некрасова «Спящая княжна». В глухом лесу спит зачарованная княжна, которую никто не может разбудить. Образ спящей княжны композитор создаёт с помощью плавных, спокойных интонаций, напоминающих колыбельную. В аккомпанементе часто будет появляться интервал, который называют большой секундой (он изображается как б₂) Это одна из интонаций, которая тоже создаёт образ сна: возникает что-то успокаивающее, застылое, неподвижное. Послушаем первый раз этот романс. Какие образы вы представите не только в начале, но и в последующих частях романса?

(Звучит романс А.П. Бородина «Спящая княжна»)

Во второй части или эпизоде вы определили образ правильно: это образ бури в лесу, которая проносится над княжной. Какой стала музыка? Громкой, бурной, фантастической. В ней используется так называемый увеличенный лад. Его звукоряд строится из больших секунд, и все его ступени равны между собой. Здесь нет стремления, тяготения ступеней, например, к I-й ступени лада, которая называется ТОНИКОЙ, как это бывает в мажоре, миноре и других ладах. Отсюда такое необычное, нереальное звучание.

Затем мы с вами услышали, что первая часть повторяется, в ней опять изображается спящая княжна. В четвёртой части возникает образ могучего богатыря, но и он не может пробудить княжну. В конце опять повторяется материал первой части. Итак, сколько частей было в романсе? Пять. Какие части повторялись? Первая, третья, пятая. Эти повторяющиеся части в форме рондо называют РЕФРЕНОМ. Сколько было контрастных частей? Две части. Их называют ЭПИЗОДАМИ. Как можно изобразить схему рондо? АВАСА.

Послушаем ещё раз этот романс. Отметьте для себя, когда будут эпизоды и повторения рефрена.

Сейчас прозвучит одно из самых популярных произведений в мире. Его написал австрийский композитор Вольфганг Амадей Моцарт. Это Rondo a la turca или Рондо в турецком стиле – третья часть его фортепианной сонаты №11. Почему «в турецком стиле»? Об этом мы поговорим с вами более подробно, когда будем изучать творчество Моцарта более подробно. А сейчас скажем, что в этом произведении композитор как бы подсмеивался над образом турецких янычар. Отсюда и использование маршевых интонаций, имитация игры на малом турецком барабане, под дробь которого янычары шли в атаку. Но этот образ не страшный, а смешной, как будто перед нами не люди, а кукольные персонажи.

Маршевость встречается здесь в первом эпизоде. А в рефрене мы слышим лёгкую, изящную мелодию, на смену которой приходят отрывистые, игривые интонации. В конце рондо – КОДА. Так называется завершающая часть во многих музыкальных произведениях. Чаще всего, в коде звучат интонации, которые встречались уже раньше. Завершается рондо Моцарта мажорными, ликующими интонациями.

(Звучит Рондо в турецком стиле (Rondo a la turca), третья часть из фортепианной сонаты №11 В.А. Моцарта).

На этом знакомство с другими формами музыкальных произведений не заканчивается. Например, в III-й части книги в разделе о Музыкальной драматургии симфонии мы будем говорить о сонатной форме и сонатно-симфоническом цикле.

Итак, мои уважаемые читатели, мы потихоньку выбираемся с вами из музыкального «лабиринта» на некий простор. Нас ждут дальнейшие удивительные открытия и радость познания замечательных творений. Как хочется верить, что вам будет интересно, и вы поймёте справедливость утверждения древних, которые говорили, что самое великое наслаждение в жизни – это наслаждение музыкой.